曠日費時卻事倍功半的混音歷程

撰文當下我剛結束耗時兩個多月、以0.1 dB為單位尋找各樂器音量平衡的混音作業，
原因是2025年10月初幡然醒悟我從2023年底開始製作的多首樂曲存在嚴重的混音平衡問題。

其實2025年1月我就注意到之前混音的鼓組太大聲，進而著手重新混音，
但矯枉過正、反變成鼓組跟貝斯太小聲，雖然後來慢慢有稍微感覺不對勁，
卻因為"現在比之前平衡"的先入為主心理而沒重新再檢視，
一直到同年9月要重製不同風格的樂曲時，怎麼混都混不好才發覺不對勁，
這讓我痛定思痛決定更仔細地長時間反覆驗證各樂器的音量大小，只是沒想到一弄就是兩個多月…

我現在只用監聽耳機及手機喇叭聆聽並非一直混不出混音平衡的樂曲的主因，
事實上我2014 ~ 2019年用監聽喇叭混音時就已經有鼓組太大聲的狀況，
這也不是喇叭本身特色的影響，這段期間我用的喇叭特色都不相同，包含：
Genelec 8030B、Musikelectronic Geithain RL 906、KS Digital C5-Reference，
後兩者是歐美日許多專業音樂工作者、甚至知名錄音室都在用的喇叭，
所以混音不好終究還是人的問題。

調整混音時我覺得棘手的地方：

• 如何找出真正影響聽感的樂器調整音量。
  不是單純把覺得小聲的樂器音量調大、覺得大聲的調小，
  有時候你覺得吉他太小聲，其實是貝斯太大聲蓋住了吉他；
  又或者覺得鼓聽起來太突出，但真正原因是貝斯太小聲。


• 低"音"的量感跟其它樂器的差異。
  貝斯之類的低音樂器"正常來說"不會跟主奏、主唱、甚至其它偏中高音的伴奏樂器重疊，
  換言之、就算貝斯稍微大聲一些，人耳 / 人腦也會自動優先接收其它更容易聽到的中高音樂器，
  而不會去細究貝斯的音量是否真的適當，
  也因此我常發生乍聽之下沒問題但總感覺哪裡不對，
  或如前述以為吉他太小聲，拉高吉他音量卻莫名太大聲的狀況。


• 慣性 / 疲乏性忽略與意識上的聆聽重心偏移。
  "慣性 / 疲乏性忽略"是指人腦會判斷某些反覆及習慣性的聲音不重要而自動忽略，
  可能同一首歌當你聽到第三第四遍時，
  本來覺得太大聲的樂器就變得不那麼明顯了，這樣就難以作出精準的判斷。
  "意識上的聆聽重心偏移"則是類似前面所述：
  人耳 / 人腦會自動優先接收其它更容易聽到的中高音樂器，
  特別是人聲及有明確旋律的樂器其優先權會更強，
  優先權強的聲音有可能出現"雖然實際音量較小但因為你聚焦在上面而自動產生心理上的補償"，
  導致無法客觀判斷音量大小；
  又或者你有意識地專注在特定樂器上，因此不自覺對對該樂器作出補償。


• 用較小的音量監聽。
  我之前認為監聽時音量太小的話低頻無法充分發揮，
  不過音量一拉高反而不容易聽清楚整體的樣貌，，
  跟前面"意識上的聆聽重心偏移"相似，
  監聽音量太大會影響你對各樂器間音量比例的判斷，而且聽覺也容易疲勞。


• 腦中有無音場構成的藍圖。
  你對歌曲有沒有先入為主的概念、腦海中能不能夠浮現歌曲的樣貌對混音順利與否影響甚鉅，
  我會在混音上停滯不前也是因為我想要每個樂器都能平衡，
  但卻無法對平衡形塑具體的樣貌。
  後來陸續聽了國外許多知名樂團近期的錄音，
  大部分都著重在主唱與鼓上面，節奏吉他與貝斯比我期望做到的還小聲許多，
  因為沒有聽到理想的範本就只能慢慢摸索。


• 耳機混音的困難點。
  首先、耳機由於直接把聲音送到耳中，不像喇叭左右聲道會透過空氣混合，
  故耳機的最左最右聲道與中間的音量實際存在巨大落差。
  如果你沒有使用模擬喇叭的的Plugin補償，非常容易混出中間比左右大聲的樂曲。
  若你像我一樣不使用Plugin的話，就只能盡量先把樂器Pan到正中間比對。
  其次、耳機由於沒有透過空氣傳播，在音量大小及遠近的掌握上相對不明顯，
  當然這部分也有可能是我使用的耳機OLLO S4X 1.2太爛的關係，
  但無論如何最好還是額外再用喇叭做交叉確認，
  我個人一開始是拿筆電 (立體聲) 跟手機 (單聲道) 兩組，
  但前者爛到不僅音質糟糕、還因為設置的位置很微妙導致我聽不出定位與遠近，
  結果單聲道的手機喇叭反而是最可靠的…

之前看文章知道再厲害的人耳都只能分辨出單一樂器0.3 dB的差異，
我也不認為自己有金耳朵，單一樂器我可能連1 dB都未必能分辨，
但0.1 dB在兩組 (以上) 樂器混合時是可以感受出被調整那方的前後移動或變大變小，
我的經驗是能明確感受出A比B大聲，通常是差0.2 ~ 0.3 dB，
兩者只差0.1 dB時就是非常微妙的領域，但對整體混音是真的有影響。
我不是一開始就用0.1 dB在調，
而是先±2 ~ 3 dB大範圍找出明確差異後再慢慢縮小範圍。

2025 2nd version，我能力所及混音最平衡的版本：


2025 1st version，鼓組與貝斯較小聲的版本：


2024，鼓組偏大聲的版本，編曲與2025不同：


2015，最早期的版本，無主唱，編曲與2025不同：


===============================================

我從2003年左右以Boss BR-1180CD數位多軌錄音座入門錄音以來，
一直都被"如何混出相對平衡的混音"這個課題所困擾，
錄音座時期因為資訊、知識及財力都匱乏，是用便宜的Kenwood入門床頭音響充當監聽喇叭，
在音色、音場、音量等判斷上都不精準，僅靠直覺決定各樂器間的音量大小。

2007年左右開始轉入電腦錄音，
一開始買了Digidesign MBox 2 Mini想跑Pro tools這個工業標準級的錄音軟體 (DAW)，
卻因為AMD CPU不相容且軟體介面複雜而改用Line 6 UX1及其附贈的DAW：Ableton Live 8 Intro，
然後終於買了人生第一對監聽喇叭Fostex PM0.5MKII。
這個硬體組合我一直用到2014年，
期間我仍舊憑直覺來決定音量平衡而沒有特別研究怎麼混音會更好，
但有趣的是這時候的作品反而比2014 ~ 2025年來得更平衡一些。

2014 ~ 2019年在器材上花了許多心力與金錢，陸續買了：

• RME UFX
• RME Babyface Pro
• SPL Creon
• Prism Sound Lyra 2
• AKG K702
• audio-technica ATH-R70x
• Genelec 8030B
• KS Digital C5-Reference
• Musikelectronic Geithain RL 906

諷刺的是、這段期間的成品卻沒有更好。

2023年底因為有Synthesizer V人聲合成軟體作為主唱，讓我重啟樂曲製作，
由於居住環境的關係，不方便使用喇叭，
Prism Sound Lyra 2也因為耳機輸出阻抗過高而無用武之地，
我又購入：

• RME Babyface Pro FS
• OLLO S4X 1.2

實際使用上都不算是非常高階的器材，
Babyface Pro FS聲音沒什麼問題，但一年多機身按鍵就故障；
OLLO S4X 1.2的聲音就算加上了原廠的EQ補償Plugin仍難以恭維，
而且低頻糊成一團，徒增我混音的難度…
即便如此、我還是用這樣的器材做出我能力所及最平衡的混音，
所以說、器材好壞不能跟樂曲混音品質畫上等號，
你本身的判斷才是影響最大的因素。

對於新手 / 初學者購買吉他的一些建議

初學者購買吉他最優先注意的大前提是：
比起品牌、價錢，更重要的是選擇有一定口碑的店家。
一般來說、大店或老店問題會比較少，價格雖然不會特別便宜，但安心感無價。
不過有些老店之所以會是老店，其實是因為它夠黑才活得久…
我初學時也遇過很黑的名店，所以還是先多方打聽評價最保險。

-----------------------------------------------------------------

根據學琴的動機，購琴方向可分為兩類：
第一類
單純對音樂、對吉他有興趣，或者覺得演奏樂器很帥
這種狀況我會建議初學琴不用買太貴、也不用特別找大廠牌，
找良好信譽店家的便宜新手組合包買就好。
電吉他的話最低限度我個人建議要有吉他 + 導線 + Pick + 內建效果器的小瓦數 / 迷你音箱，
額外的效果器及清潔組合則沒有必要。

可能有人會說琴買貴一點的話會比較好彈，對新手比較友善…
這邊簡短分享我個人的經驗，
我從2012年左手罹患嚴重肌腱炎後，為了治療常會有一兩年無法彈琴，
每次隔了一陣子覺得好像可以練習再摸琴時，
即便我琴齡超過廿年、彈的琴也都是3000美元以上，沒有繭的手指按弦總是非常痛苦，
我才憶起初學時是什麼感受，彈琴久了真的會忘記當初的艱困…
所以初學者的重點不是琴的價位，而是你有沒有撐過適應期的毅力，
適應期的痛苦不會因為你用貴一點的琴就減少。

可能又有人會說貴一點的琴音色比較好…
通常初學者建立自己對音色的品味、或者理解音色好壞至少都是學琴半年、甚至一年以後了，
但就我十多年前的教學經驗、及跟其它老師交流的資訊來看，
至少有一半以上的新手撐不過三個月，所以你可能在還沒理解人家所謂的好音色前就不彈琴了，
這樣不如一開始就用便宜初學者組合包反而比較省錢。

當然還有人會說買貴一點的大牌子將來不玩了轉手賣掉比較不會虧錢，
目前吉他市場隨著用戶越來越少，二手已經出現供過於求的狀況，
如果不是真的非常賣便宜，其實二手沒有想像中好賣，
貴琴賣中古折的價差恐怕夠你買新手組合包還有找。

**********************************************

第二類
因為動畫 / 漫畫 / 電玩 (以下略稱ACG) 影響而想要學吉他
這種狀況我就不會建議買新手組合包，請直接選購ACG聯名款或者作品中出現的同型琴。
對於因為ACG而想學琴的人來說，琴與其說是樂器、更接近週邊商品，
日後就算不彈了擺著也賞心悅目，像這種場合如果為了省錢買便宜琴反而看了礙眼。

-----------------------------------------------------------------

需不需要找老師?
串流時代要自學非常方便，但我個人還是會建議初學至少先找個老師面對面上幾個月的課，
有些基礎觀念讓老師"有系統"教你其實更有效率。
基本概念打底大概六個月、最多一年，約24到48堂課。
建議一開始就跟老師講好，不學歌、只要把基本功學好，這樣老師在課程安排上也比較明確。
不過前提是你必須要非常認真把每堂課的內容都練好，老師才有辦法每堂課都教新東西。
畢竟8 beat / 二連音都彈不穩，老師就沒有辦法教三連音四連音呀…

其實老師教歌有時候也不是為了偷懶，
每堂課都認真教基礎其實內容非常枯燥，不是每個學生都想做苦行僧爬格子記和弦學樂理，
教歌就是為了讓學生可以"相對容易"得到玩音樂的成就感，
而且有些基本技巧與樂理藉由歌曲來實踐最容易記憶。

通常有一定信譽的樂器行不太容易遇到有問題的老師，
但就跟買琴一樣，大店或老店也不是百分百的保證，
所以自己必須要先預設好停損點，
只要覺得這個老師的教學無法預期未來，就要當機立斷停課換老師。

何謂PRS (Paul Reed Smith) 的音色壓縮感

我個人很贊同PRS (Paul Reed Smith) 的兩項設計：

• 25" scale、Acrylic系塗料。

後者的好處是有著接近Nitrocellulose系塗料的透光率，及媲美Polyester的防護力，
卻不會出現裂漆、剝落、化學抗性低等問題。
但我始終不偏好PRS特有的壓縮感音色，可能會有人不理解那聽起來是什麼樣子，
下面這個A/B Test影片給了很標準的解答：

• 10:22 – Tone Comparison: Clean
• 11:13 – Tone Comparison: Crunch
• 12:15 – Tone Comparison: Distortion

演奏順序從Heritage > PRS的瞬間可以明顯聽出後者的聲音有種被Compressor壓縮過的感覺，
特別是開Drive之後的聲音非常容易辨識出差異，
如果常在DAW內操作Compressor plugin的話應該很熟悉這種音色變化。

這兩把嚴格來說沒有孰優孰劣，就是喜好問題，
我個人偏好PRS的Clean，這邊壓縮感反而有優勢；
Drive則喜歡Heritage，兩者的動態差距太大了，Heritage的動態範圍是PRS的好幾倍。

不過以錄混音的角度來說，
Heritage瞬間動態太好反而是個麻煩，容易出現Peak；
PRS的聲音就像已經加了Low cut與compressor的高度後製音色，其實反而有利於錄音，
從這點回推PRS的設計理念應該類似：
「反正你終究要後製，不如我們先幫你加好Low cut與compressor。」
這就有利有弊，看個人喜好，至少我個人不偏好這種聲音。

[簡易心得] Bogren BDM Bundle音箱模擬軟體 (Marshall系)

簡單講一下Bogren的Marshall系音箱模擬軟體：BDM Bundle。
在這影音當道的年代，文字心得沒什麼意義，但我還是習慣用文字記錄感受，
卻也如前述：文字用處不大之故，我就盡量言簡意賅。

Bogren Digital官網：https://bogrendigital.com/

我之前還有寫一篇Bogren其它音箱模擬的心得：
https://chichengjuanhe.blogspot.com/2024/11/bogren-ampkonb.html

BDM Bundle模擬了三款Marshall最著名音箱：
1959 Plexi、JCM 800 2203、JVM 410。
Bundle顧名思義就是合在一起賣，
但如果你只需要其中一款也可以單買。

• BDM '75
  1959 Plexi系。
  應該是Bogren目前產品中最擅長Low ~ Mid Gain的音箱，
  音色華麗、纖細、又敏銳，非常適合Solo。
  也是Bogren產品中少數沒有內建Gain Boost pedal的音箱模擬，
  我猜會買的人大概也沒有太多Modern Hi-gain需求，
  所以它們就省略這個功能。
  
  但畢竟是Plexi，Gain開到底還是可以做到一定程度的Hi-gain。
  這東西在Normal Ch. / Modern Cab / Gain = 9.6時的聲音，
  跟Bogren另一款音箱模擬：
  Trivium Rhythm的Red Ch. / Vintage Cab / Gain = 5.3有一定相似度…
  差在Trivium Rhythm的聲音更乾淨、稍偏冷色調，
  而且中低頻較瘦、比較不會跟主唱衝突。
  本來以為Trivium Rhythm是加了中頻的5150系，
  但現在看來又有點像Hi-gain Plexi。
  
  如果喜歡Hi-gain Modern Plexi的話選Trivium Rhythm就對了。
  偏好老Van Halen系就選BDM '75。
  
  這邊用VSTi Guitar簡單做了個一分鐘的Metal riff短片做比較：
  
  0:00 Bogren Trivium Rhythm
  0:28 Bogren BDM '75
  
  使用Bogren BDM '75混音的感想。
  單獨使用很棒，但在混音裡面會吃掉主唱、弦樂及其他樂器，
  所以我撰文時新重製的歌在上傳前，節奏吉他音箱不得不又改回Bogren Trivium Rhythm，
  BDM '75的頻率侵略性太強，包含主唱在內的多樂器混音其實不是很好用。
  


• BDM 800 Badboy
  取樣自知名YouTube樂手Euge Valovirta的JCM 800，
  與一般JCM 800不同的是這台後級管換成6550 (類似KT88)，
  變壓器也改成140 w。
  
  沒有中頻的BDM '75 ...
  似乎好用、又似乎不好用，Gain的表現幅度雖然廣，
  但就我的用途來說不上不下有點微妙，
  最根本的原因大概是我現在沒有很喜歡JCM 800的聲音。
  喜歡6550後級管音色JCM 800的人可以試試，
  客觀來說是目前最好的Marshall系軟體。
  
  建議找Euge Valovirta自己介紹這款音箱模擬的影片來看，
  他把這款的音色發揮到淋漓盡致。


• BDM 410 JVH
  單純以Gain範圍來說應該是BDM Bundle中應用範圍最廣的一款，
  4 ch. + Gain Boost pedal幾乎沒有不能應付的樂風，
  但問題在它是JVM...
  偏V型EQ不會跟主唱衝突，但是很Boomy；
  乍聽之下很容易跟樂曲融合沒有突兀感，可是很Boomy；
  我一開始覺得不錯，很適合高速的Metal，但越聽越聽覺得Boomy。
  
  嗯…畢竟JVM本身的特色就是異常突出卻鬆散的低頻，
  如果不是取樣JVM的話，這款應該是最好用的Marshall系模擬了。
  如果你喜歡低頻多一點、樂風是Modern Rock ~ Metal，可以試試看。

結論：
就我個人來說、BDM Bundle雖然沒有100%符合我的預期，
但現階段應該是"純"Marshall系Amp sim中最接近實體音箱的了。
"不純"的Marshall系Amp sim我個人會推Bogren Trivium Rhythm。

1000美元內適用於低阻抗監聽耳機的錄音介面清單 - 2025年版

鑒於現在低阻抗監聽耳機越來越多，
故我簡單整理了一份1000美元內適用於低阻抗監聽耳機的錄音介面清單。
耳機阻抗在70 Ω以下，
基於阻抗輸出入比例1 : 8的前提下幾乎都能適用的錄音介面：

• Apogee
  Duet 3
  BOOM
• IK Multimedia
  Axe I/O
  Axe I/O One
• RME
  Digiface USB
  Babyface PRO FS
• Solid State Logic
  全系列

…沒了。
對、低中價位適用於低阻抗耳機的錄音介面就是那麼少。
順帶一提、就算是高於1000美元的錄音介面也未必對低阻抗耳機有良好的支援：
2650美元的Prism Sound Lyra 2的耳機輸出阻抗是100 Ω。

下面這些耳熟能詳的廠牌在低中價位的產品對低阻抗耳機的支援不算友善，
這些廠牌有的機種會寫Impedance Working range，
如Working range 16 Ω (to 600 Ω)，但實際的Output impedance卻高達51.5 Ω，
所以Working range低，不代表它真的完全適用於低阻抗耳機。
如果你因為環境等因素必須以耳機混音為主，又不巧剛好使用低阻抗耳機，
那這些廠牌你可能要慎重考慮一下：

• Arturia
• Audient
• Black Lion Audio
• Focusrite
• Heritage Audio
• Lewitt
• M-Audio
• Motu
• PreSonus
• Steinberg
• Universe Audio
• TASCAM
• ZOOM

若你目前使用的錄音介面是上面這些品牌，而你又很喜歡它不想換，
那你可以考慮另外買一台耳機擴大機外接，
但不幸的是中低價位裡適用於混音後製的耳機擴大機大概只有Lake People的G101跟G103-P MKII，
前者是RCA、後者是XLR。
我這邊有簡單撰文介紹G103-P MKII：
https://chichengjuanhe.blogspot.com/2023/11/headphone-amps-for-mixing-mastering.html

延伸閱讀：
為什麼耳機輸出入阻抗要考慮至少1 : 8的比例?
"耳機與耳機擴大機間的電壓、電流、失真及阻抗的基本觀念"
https://chichengjuanhe.blogspot.com/2023/11/blog-post.html

[樂曲解說] 囚葬 The Cage

本篇是解說我的創作樂曲：「囚葬 The Cage」
試聽網址：
Bandcamp：


YouTube：
註：YouTube音檔受影片編輯器的影響，檔案小於原始Wav。


Song structure:
0:00 Intro
0:14 Verse 1
0:41 Verse 2
1:07 Chorus 1
1:34 Interlude
2:00 Verse 3
2:27 Chorus 2
2:57 Bridge
3:23 Guitar Solo
3:40 Chorus 3

-------------------------------------------------------------------------------

歌詞與解說：
Verse 1 & 3
陰暗的天空 鎖住了自由
腥臭的大海 漂浮多少血肉
與死亡擦身而過的每一天

Verse 2
無名的墓碑 不需要理由
恐懼的枷鎖 緊扣你我心中
在深淵絕望無救的每一天

Chorus 1
破碎的夢 狂風中散落
重雲深鎖 血染長空
靈魂得不到解脫
囚禁在失去自由的牢籠

Chorus 2
鎩羽的夢 寒夜中殞落
冰雪霜凍 魂斷淒風
淚水洗不清悲傷
消失在瘋狂無情的戰場

Chorus 3
破碎的夢 狂風中散落
重雲深鎖 血染長空
靈魂得不到解脫
囚禁在失去自由的牢籠 腐朽

******************************

Verse約60%的歌詞來自2005 ~ 2006時的創作，剩下都是這次新寫，
其實當年我已經寫好完整的歌詞，
不過現在回頭看覺得當時下筆的主題太直白難免膚淺就決定重新改寫。

猶記我那時剛組了自己的創作樂團，貝斯手問我要不要參加一場特定主題的小型表演，
所以我根據這個主題先決定曲名並寫好詞，再委請主唱寫曲，
雖然我在寫詞的同時也想好了Verse的主唱旋律，
不過基於主唱已經開始著手創作，我就沒有勉強主唱使用我的版本，
而這段旋律也沒有再繼續發展下去。
但最後我們好像因為歌曲數量趕不上而沒有參加那場表演就是了。
舊曲名：「囚 Cage」，新中文曲名則是融合了這次新寫的Chorus意境。

這次新寫的歌詞基本上仍以之前那個主題為核心，
但我覺得這個主題現在看來太浮濫、太廉價，決定擴大解釋成"在困境中為理想犧牲殉道"，
至於這個理想是什麼就端看各人的解釋。

Verse 1 & 2在描述環境的惡劣，
與死亡為鄰過活，就算死了也未必為人所知，環境所帶來的恐懼深植心中。

Chorus 1 & 2則是敘述為了理想而奮鬥卻終究衝不出環境的封鎖，壯志未酬身先死。

-------------------------------------------------------------------------------

創作背景：
算比較軟性的Metal風格，廣義來說算未發表過的新 (舊) 歌。

Chorus、Bridge、Solo的吉他部分，
是把在樂團主唱的創作中由我編曲的段落拿回來用：

• Chorus、Bridge回收自前面歌詞解說中提到的樂團主唱的那首創作；
• Solo則是回收自同主唱另一首致敬他心中的吉他英雄Yngwie Malmsteen的樂曲。

除此之外的所有樂器 (包含Interlude & Verse 3的吉他) 都是這次新寫。

Intro跟Interlude的和弦進行其實沒有多想，
第一個和弦出來很自然就浮現後面要怎麼接，
雖然感覺上是個很常見的進行，我也覺得自己好像很常用，
但反正這段沒有那麼重要就懶得深究。
本來以為是不是因為對之前樂團主唱的版本記憶太深所以用到同樣的進行，
查了一下舊譜、沒什麼關連呀…

Intro跟Verse 1 & 2本來是只有木吉他刷和弦，
十多年前在想主唱旋律時是預設帶有一點藍調風格，
這次最後變成中提琴跟弦樂而捨棄木吉他是因為：

• 編曲過程中覺得只有木吉他刷和弦有點俗氣單調，
  但我現在手傷未癒還不能彈吉他，除了刷和弦無法想出更花俏豐富的彈法。
• 為增加層次放入中提琴跟弦樂後，
  木吉他反而變得不重要、甚至還會干擾弦樂的靜謐哀傷感。

Chorus因為節奏吉他是基於之前樂團主唱的版本而編的，
因此沒有辦法必須沿用他的和弦進行，
不過樂團主唱版的小節數是3+4，我多加一個小節和弦變成4+4，故不是完全沿用。
不過3+4的印象太深刻，一開始反而不習慣4+4…

Bridge整段原本就是我的創作，因為主唱覺得不錯而整合在他的版本中。
這裡後半段本來是放主唱，但這次寫詞花太多時間，
後面我懶得再想詞就把旋律挪給中提琴演奏，結果效果更好。

Solo前面提到是回收自主唱另一首致敬他心中的吉他英雄Yngwie Malmsteen的樂曲，
但這段旋律其實不是該曲的Solo，而是Solo的前導，真正的Solo當然是要主唱自己來彈。
這邊的節奏吉他除了改調、亦有修改一部分的音符與節拍以避免完全沿用。

題外話、樂團主唱版真的很優秀，我不覺得現在自己這個版本有超過主唱的創作。

個別樂器解說：

• 過去樂團主唱版本的鼓也是我編的，
  這次本來想沿用，但看譜後由於拍點完全沒有跟吉他對位就決定重寫。
  基本上就是跟著吉他的拍點，所以沒有甚麼太特別之處，
  唯一傷神耗時的是Bridge前跟後的銜接處、以及Solo要接回Chorus 3的最後兩個小節，
  因為都是第一拍所有樂器停止，
  因此鼓的變化就顯得格外重要，還要避免重複或聽起來相近。


• 貝斯跟鼓一樣原本有舊版但打掉重寫，不過沒有像鼓那般有需要煩惱的段落。
  只是在寫的過程中發現自己過度被和弦制約，
  想不出什麼有趣的變化，陷入千篇一律的困境，
  看來要找時間多看看現代的貝斯譜進修了。


• 弦樂就維持我現在一貫的寫法，帶有簡單旋律的襯底。
  畢竟自己也不是專科出身、加上音痴嚴重，不可能寫出什麼像樣的東西，
  人貴自知，不擅長的事就不要自曝其短。


• 中提琴的音色在這種樂曲中非常有效果，
  Intro跟Verse 1 & 2就是因為有它才確立了整體哀戚的氛圍。
  Bridge如前述是個意外，因為懶得想詞把主唱旋律挪給中提琴，結果更好，
  本來Bridge跟Solo的銜接不是很順，中提琴一放進去整個感覺就到位了。


• Chorus跟Bridge的節奏吉他當年沒有記譜，然後十多年沒練也忘了怎麼彈，
  這次花了一點時間聽過去的錄音檔抓自己寫的東西，
  麻煩的是現在手傷未癒還不能彈吉他，加上音痴嚴重，所以抓得很痛苦…
  特別是Bridge的連音，我當年只憑直覺在彈，沒有認真想過排列順序，
  過去懶惰不記譜，現在就自食其果。
  
  Chorus聽起來有點花俏但其實不難，
  當初在編時因為不是自己的歌，盡量謹守節奏該有的本分不去干涉主唱，
  所以整體來說沒有比我另一首"掙鎖 The red moon" 複雜，
  那首的副歌，吉他完全就是把節奏當獨奏在彈。
  Chorus的第三小節 (兩倍速計算的話就是第五~六小節) 是這次新寫。
  
  Interlude也是新寫，本來跟Intro一樣只有四小節 (兩倍速計算為八小節)，
  但寫完後我很喜歡，覺得只有一遍很可惜，所以硬是多重複一次。
  如果不是吉他VSTi的表現能力有限，其實我很想讓吉他使用三個音以上的和聲，
  這樣層次感聽起來會更豐富。
  
  Verse 3一樣新寫，
  但除了最後兩小節 (兩倍速計算為四小節) 我覺得有亮點以外，
  整體表現受限於跟鼓和主唱的搭配、以及吉他VSTi的表現能力，並沒有寫得很好…
  
  Bridge的彈法是啟發自當時在練的Dream Theater "As I am"。


• Solo前面提過是回收自主唱另一首致敬Yngwie Malmsteen的樂曲，
  所以我當初在寫的時候有稍微嘗試貼近Yngwie的樂句，
  但畢竟我沒有特別鑽研這種風格，與其說這是Yngwie風，不如說就只是單純的和聲小調。


• 2023年因為有了人聲合成軟體Synthesizer V作為主唱，
  我開始將過去所有因無法錄唱而以器樂型態推出的樂曲重新補上了一直都空缺的主唱旋律，
  這首歌就是在這樣的背景下開始製作。
  主唱使用Synthesizer V內建的Gender功能把中文女聲音色庫Weina變成男聲。
  
  這首歌讓我"再次"深感自己的音痴有多嚴重，
  前述這首歌Verse部分的旋律早在十多年前就已經想好，但其實我一直沒有正式配上和弦，
  在這次補和弦的過程裡始終覺得和弦怎麼配都跟旋律有微妙的差距，
  即便到了主唱後面的新旋律都寫完、所有樂器也編完還是抹不去那微妙的突兀感，
  苦惱掙扎了好多天，最後決定把舊的Verse主唱全部刪掉，根據現有和弦重寫，
  結果重寫僅花了一兩天就搞定…
  我真的很不擅長根據旋律補和弦，
  因為可以使用的選項太多，我嚴重的音痴無法選出最適當的和弦。
  反過來根據和弦寫旋律就比較好處理，因為彈吉他的即興訓練讓我相對容易應付這個狀況，
  所以在寫Chorus時遇到的阻力較小，最多就是注意有沒有跟其他樂器的和聲衝突就好。
  
  由於目前版本Synthesizer V會在不特定字詞的發聲時伴隨類似機械人聲或者像是蛙鳴的聲音，
  呃~聽起來就像星際大戰的Darth Vader那樣，
  雖然混在樂器中就沒有那麼明顯，但畢竟還是存在，所以主唱的部分說不上完美。
  
  另外我這次重混音盡量不在錄音軟體DAW內拉音量Automation、也不用Compressor控制主唱音量，
  所以主唱無法避免地會有明顯音量大小不一的狀況。

從James Tyler、Kiesel看吉他品牌價值的重要性

撰文當下的前幾天，
美國半訂製吉他品牌Kiesel從Carvin改回Kiesel滿十年。
我個人對於Kiesel這十年持續不斷且幅度越來越誇張的漲價非常不以為然，
但我其實可以理解除了通膨外、這還能解讀成它們是為了塑造品牌價值而漲價。
品牌價值 ≠ 品質，卻直接影響銷量與人們先入為主的印象。
只要有品牌價值，就算粗製濫造也還是會有人買單。

非常有名的高檔吉他品牌James Tyler在2006年實際驗證了品牌價值的重要性，
James Tyler大概是想說只要商品優良，人們自然會掏腰包，
所以"匿名"設立了Joe-X Guitar Works這個品牌，
這個品牌推出時沒有任何資訊、亦沒有合作樂手推廣，
結果銷量淒慘到James Tyler不得不跳出來說：「欸欸、這是我做的!!」
然後買氣才開始回升…

Kiesel在Carvin時期一直走超低價、高品質路線，
反映的就是人們對於Carvin = 便宜琴的印象，
(當然、Carvin時期的拾音器不夠好也是一個要素)
所以就算Carvin的木材品質跟設計再怎麼優異，人們都不會把它當成高級琴。

Kiese總裁Mark Kiesel的兒子Jeff (現任Kiesel副總裁) 在這樣的氛圍下成長，
看到自家的琴明明品質不輸、甚至超過一些高價琴，
但是卻得不到正當的評價、甚至在二手市場淪為跟入門琴同級，
想必是非常不甘心…但或許也因此了解到品牌價值的重要性，
所以品牌改回Kiesel初期他們努力搶曝光、大簽樂手以提升知名度，
接著在更多人開始注意到這個品牌後，逐漸提高價格來擺脫便宜琴的印象。

作為Kiesel用戶，我認為Kiesel"品管正常"時是有到高階琴水準，
我在當代論壇的Carvin = Kiesel討論串裡介紹過的眾多日本用戶也認為Kiesel作為高階琴算夠格，
Kiesel雖然一直漲價，但跟其它品牌仔細比較後其實"還沒有"到不合理的程度，
不過我個人是覺得很貴了…

總之、就如前面講的：
只要有品牌價值，就算粗製濫造也還是會有人買單，
甚至以買該品牌為目標、引以為榮，足見品牌價值的重要性。